Histoire d’image

Le parc national des Great Smoky Mountains est le deuxième parc national le plus visité des États-Unis. Le parc possède des points de vue exceptionnels qui ont attiré de nombreux photographes, notamment au lever et au coucher du soleil. Parmi les meilleurs points de vue sur le coucher de soleil se trouve le Morton Overlook, du nom de Ben Morton, un chef civique local et ardent défenseur de la création du parc national. Je me suis rendu au parc national des Great Smoky Mountains au printemps, en partie pour photographier des fleurs sauvages et capturer des images à partir de points de vue. Je savais à l’avance que le soleil se coucherait sur la vallée qui s’étend à l’ouest de Morton Overlook à cette époque de l’année. Je connaissais aussi beaucoup de gens réunis au Morton Overlook pour profiter et photographier les couchers de soleil.

Ainsi, pendant plusieurs soirées lors de ma visite, je suis allé au Morton Overlook bien avant le coucher du soleil pour obtenir une place de parking et installer mon appareil photo. Les nuages ​​ont obscurci le coucher du soleil la plupart de ces soirées. Mais les nuages ​​se sont séparés lorsque le soleil s’est approché de l’horizon le soir où j’ai capturé cette image. J’ai pris plusieurs séries de photographies de cette scène à différentes focales tout en encadrant manuellement pour un contraste élevé. J’ai gardé le soleil hors du cadre pour aider à réduire le contraste de l’exposition. J’ai choisi cette image de la série en partie à cause des lignes de crêtes montagneuses en retrait, des rayons de soleil rétro-éclairant les crêtes et des bouquets d’arbres jaunes grimpant dans la vallée. Quelques minutes après avoir capturé cette image, la plupart des crêtes au premier plan sont tombées dans l’ombre profonde alors que le soleil se couchait derrière les montagnes.

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Spécialiste ou généraliste ? Avez-vous du mal avec cette question ou cette distinction dans votre propre photographie ?

Je sais que beaucoup d’entre nous le font. Au fur et à mesure que nous apprenons et grandissons dans notre photographie, on nous dit parfois de choisir une chose, de choisir un créneau et de nous concentrer sur cela. C’est censé être mieux d’être plus concentré, surtout si vous essayez de créer une entreprise.

Récemment, dans un groupe de photographie auquel je fais partie, l’un des membres a posté ceci :

« J’ai le plaisir de voir le travail de certains photographes exceptionnels sur cette plateforme. Beaucoup d’entre elles ont choisi un style photographique particulier et sont maîtres et maîtresses de leur métier. En effet, je peux reconnaître leur travail d’un coup d’œil.

« Maintenant, quand je regarde en arrière dans mes archives, je ne vois pas une telle spécialisation, juste des tentatives aléatoires de différents styles. Je ne produis rien qui soit immédiatement reconnaissable comme mon travail. C’est après au moins 20 ans à cliquer sur les obturateurs de l’appareil photo.

« J’apprécierais donc votre point de vue sur la spécialisation. Doit-on naturellement et inévitablement évoluer vers une spécialité, ou la variété est-elle vraiment le piment de la vie ?

-ST

Ma réponse — spécialiste ou généraliste ?

C’est quelque chose avec lequel je lutte continuellement. Les gens disent toujours qu’ils connaissent une image « Lauri » quand ils en voient une, mais je n’ai aucune idée de ce que cela signifie vraiment.

Bien que je sois un peu reconnu pour mon travail architectural, je photographie beaucoup de choses. J’aime l’architecture depuis toujours et pas seulement d’un point de vue photographique. C’est un intérêt qui dure depuis toujours. Il était donc naturel pour moi de m’orienter vers la photographie d’architecture.

Cela ne veut pas dire que c’est la seule chose que je veux photographier. J’ai aussi un amour profond et un besoin de voyage. Cela fait partie de mon âme bien plus que l’architecture. Pourtant, mes images de voyage ne semblent pas attirer l’attention comme mon architecture.

J’ai écrit dans un article une fois que je me considère comme un photographe opportuniste. Si l’occasion se présente, je prendrai la photo. Tout ce qui me saute aux yeux. Les ordures peuvent faire de l’ombre, un écureuil, un bâtiment, une personne, etc. que JE VOIS. JE VOIS le monde qui m’entoure et j’ai la passion de pouvoir montrer aux autres ce que je vois et qu’ils ne voient peut-être pas.

Comme j’ai essayé de m’aventurer dans la vente de mon travail, on m’a dit au fil des ans de me spécialiser. Faites une chose, montrez un type de travail, trouvez votre niche. Nous sommes conditionnés à croire que les gens ne peuvent pas exceller dans beaucoup de choses, ils doivent donc se concentrer sur une seule pour y exceller. Je n’y adhère pas et cela continue de m’empêcher d’avancer. Parfois, je range mon appareil photo et il reste inutilisé parce que tout cela me fait me demander ce que je fais, pourquoi je m’embête même. Penser à tout cela me paralyse.

La vie est une expérience d’apprentissage. Période. La photographie n’est pas différente. Comment pouvez-vous apprendre et grandir si vous faites la même chose encore et encore ? Vous ne pouvez pas. Alors expérimentez, jouez et photographiez ce que vous voulez. Si cela vous parle et que vous pouvez montrer qu’il vous parle dans vos images, d’autres verront cette passion dans votre travail. Il n’est pas nécessaire que tout soit identique ou qu’il ait la même apparence.

En fin de compte, nous sommes censés photographier pour nous-mêmes, créer de l’art pour notre propre plaisir. Si d’autres veulent l’acheter ou y trouver du plaisir d’une manière ou d’une autre, c’est un bonus supplémentaire.

La variété est vraiment le piment de la vie. Ne vous laissez pas ennuyer ou être poussé dans quelque chose que la société pense que vous devriez être ou devriez faire.

J’espère que cela aide d’une certaine manière. Cela m’a aidé à écrire une partie de cela.

Autres réponses et répliques de photographes

« Je pense que je suis comme vous, un généraliste, j’aime essayer de nouvelles choses et faire différents types de photos. Même si j’espère que lorsque quelqu’un verra un de mes composites ou mes photos Playmobil reconnaîtra mon travail, je préfère quand même m’amuser dans différents styles qui s’installent en un seul. -SM

« Merci pour vos opinions. Parfois, j’arrive à penser qu’il me manque quelque chose en n’essayant pas de me spécialiser et à d’autres moments, cela semble limiter. Peut-être que des projets spécifiques sont la voie à suivre. -ST

« Je pense que vous essayez différents styles, mais je vous associe en fait à de superbes macrophotographies de la nature et pour moi, c’est là que votre travail brille vraiment. Alors peut-être qu’inconsciemment, vous avez une spécialité ? » -ED

« Intéressant. J’aime tout ce qui concerne la nature et la macrophotographie, mais quand je regarde le travail des autres macrophotographies, je ne pense pas que le mien soit très différent. Je suppose que la raison en est qu’avec ce style, je vise une copie réaliste du sujet. Il n’y a pas d’interprétation artistique. Certains des travaux du spécialiste auxquels je fais référence, en particulier les résumés, les flous et l’ICM, ont leur propre «empreinte» et sont donc facilement reconnaissables – en d’autres termes, ils se démarquent de la foule. -ST

Plus de réponses et de réponses

« Je suis d’accord que je t’associe à la nature et à la macrophotographie, mais je ne t’ai jamais vu faire uniquement ces genres. Je pense que tu es un généraliste et j’aime ça. Je ne suis qu’un amateur, je fais ce qui me plaît. Et, je suis d’accord avec ça. J’ai tendance à filmer ce que je vois quand je sors avec mon appareil photo. J’adore prendre des photos pour toutes les occasions et j’aimerais être aussi doué pour la nature que vous. -NM

« J’aime votre approche de faire tout ce qui vous passe par la tête. Récemment, j’ai commencé à sortir avec un « plan » qui détermine parfois quel objectif utiliser. Bien sûr, quand je sors, mon plan tombe à l’eau et j’essaie de photographier les mauvaises choses pour l’objectif choisi ! -ST

« Je pense que nous avons tous une certaine tendance à apprécier certains types de photographie, mais je ne pense pas que nous ayons besoin d’aller intentionnellement dans une certaine direction. Pour moi, la variété est le piment de la vie, même si j’ai remarqué que j’incorporais ce que j’avais appris précédemment comme éléments de base tout en expérimentant de nouvelles techniques. Tant que vous appréciez votre métier, vous continuerez à cliquer et nous apprécierons de voir votre art ! » – CM

« Je suis tout à fait d’accord sur notre tendance à aimer certains types de photographie. Pour moi, être à la campagne ou au bord de la mer me rend plus heureux, donc je privilégie la photographie dans ces environnements. Je ne considère pas ce travail comme une spécialité, juste une préférence. Je pense qu’une spécialité est assez étroite dans le choix du sujet et/ou de la technique, et une combinaison choisie de ces éléments définit l’œuvre, la rendant facilement attribuable à son créateur – peut-être que je me trompe ? La recherche d’une « identité » est-elle nécessaire ? Je pense que votre dernier point est le plus révélateur. – ST

Spécialiste ou généraliste, et l’importance de la conversation

Je partage tout cela parce que je suis à peu près sûr que c’est l’une des choses que beaucoup d’entre nous luttent avec cela de temps en temps. Peut-être que ceux d’entre vous qui dirigent une entreprise spécifique liée à un genre de photographie n’ont pas ces questions. Une fois que vous décidez que vous êtes un portraitiste, un mariage, un photographe immobilier ou un autre type de photographe, c’est tout. Vous savez ce que vous faites et ce que vous voulez faire.

C’est bien de pouvoir avoir ce genre de conversations avec d’autres photographes, des gens qui comprennent. J’apprécie également d’entendre différentes opinions et points de vue à ce sujet.

Et toi? Que pensez-vous de ceci? Êtes-vous un spécialiste ou un généraliste? Merci de partager dans les commentaires. Plus nous pouvons en discuter, plus nous pouvons nous aider les uns les autres et nous-mêmes.

J’étais en randonnée avec mon ami d’enfance, Shane, et ma sœur, Emily, dans le Golden Gate Canyon State Park du Colorado. Cela a commencé comme une journée presque parfaite… pas un nuage dans le ciel. Bien que nous ayons eu du mal à trouver une réception cellulaire pour contacter Shane pour savoir où nous rencontrer dans sa voiture, nous nous sommes retrouvés pour notre randonnée après quelques tentatives infructueuses avec un téléphone public au poste de garde forestier.

Deux miles de lacets et de brouillages rocheux plus tard; nous atteignîmes le sommet de Ralston’s Roost. Nous avons pris des photos de groupe indispensables pour les parents, puis avons regardé avec admiration une cellule orageuse se précipiter sur les Fourteeners enneigés qui se trouvaient juste à l’horizon. Nous sommes redescendus vers nos voitures pour une bière bien méritée, en riant du besoin d’un Coors Lite après avoir vu cette belle vue sur Rocky Peaks.

Et puis la tempête nous a frappés. De fortes pluies et de minuscules granules de grêle se sont abattues sur nous pendant le dernier demi-mille du sentier. Ce n’est pas la pire tempête dans laquelle quelqu’un ait voyagé, mais certainement quelque chose avec lequel il faut compter. Bien que nous ayons glissé plusieurs fois sur de la boue et des rochers glissants, nous avons trouvé notre équilibre sur des branches d’arbres et les mains secourables d’un copain.

Quand nous sommes finalement revenus à la voiture, l’orage nous avait dépassés. Nous nous sommes assis sur le terrain en gravier au bord de la route pendant un moment… en train de parler pendant que nous regardions des colonnes de vapeur blanche s’élever des flancs de montagnes à feuilles persistantes qui se dressaient autour de nous. Mais nous avions soif et avions encore cinq jours dans le Colorado. Nous étions fatigués de la nature à couper le souffle et avions plutôt besoin de calories.

Nous sommes donc retournés à Golden et nous sommes blottis autour de quelques tournées de bières dans une brasserie à proximité de l’entrée du parc, complétant ainsi notre quête.

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Il y a quelque chose de vraiment étrange à être seul dans les montagnes au milieu de la nuit. La lampe de poche attire les petits yeux perçants des indigènes (principalement des cerfs et des moutons), et vous devez vous rappeler que ces yeux illuminés ne vous font aucun mal. Ils se demandent probablement ce que diable fait ce fou qui erre dans les montagnes de Wicklow en pleine nuit avec une tonne d’appareils photo, de trépieds, de lampes vidéo et de supports d’éclairage. Je dois laisser le silence prendre le dessus, allumer les lumières et commencer à faire des photos. Laissez entrer la lumière, faites tourner la caméra et le calme suit toujours.

Au cours des 10 dernières années, j’ai fait des voyages intermittents à Glendalough, Co Wicklow, la nuit. Glendalough m’est si familier. Mon tout premier projet photographique, Wild Garden, mettait fortement en vedette le parc, et c’est là que j’ai organisé d’innombrables ateliers. Réinventer le familier est ce qui m’a motivé à explorer cette série d’images, de reconnexion et d’introspection, ainsi, Glendalough semblait être la toile de fond parfaite pour relever ce défi. Repousser les limites de mon propre confort, les limites de l’éclairage, et les limites de ce que j’avais exploré auparavant. Le résultat est une collection de 12 images et une pièce en accéléré mettant en vedette les sons étonnants de Moderat.

J’ai une personnalité partagée photographiquement. L’un est très généreux, il s’occupe des autres, fait passer leurs besoins en premier, leur donne toute son énergie, et partage toute sa créativité avec eux pour qu’ils puissent faire de meilleures photos. C’est le chef d’atelier. La personne qui amène les gens du monde entier à prendre des photos dans les plus beaux endroits imaginables. Je suis très reconnaissant c’est ce que je fais. Je l’aime.

Ensuite, il y a l’autre gars. Le gars qui veut juste faire des photos en solo. Le photographe qui ne photographie que les choses qui l’inspirent. Il photographie ce qui a du sens personnellement. Il s’efforce d’être en phase avec son instinct, travaille selon son propre emploi du temps et poursuit ce qu’il veut avec détermination. La photographie n’est pas un jeu d’équipe, c’est un cheminement personnel.

À un moment donné de ma carrière, la personne qui donne a repris ma photographie et mon travail s’est un peu perdu sur le plan personnel. Je voulais me sentir inspiré par ce que je faisais, mais j’ai trouvé que partager mon métier avec d’autres m’a fait me sentir stéréotypé à propos de mon travail personnel. J’avais perdu de vue le deuxième gars et je prenais la plupart de mes photos pour d’autres personnes.

Quelque chose a changé, cependant, lorsque j’ai vu une photo de Marcel Van Oosten vers 2013. Il avait utilisé une source de lumière non naturelle dans la brume dans l’une de ses images de Namibie. Cela m’a fait réfléchir sur la façon dont nous percevons le paysage. Nous associons la nature à un ensemble spécifique de paramètres visuels. La lumière est générée par le soleil ou la lune. Mais la nature pour moi a toujours été plus que des paramètres. C’est un sentiment, et l’homogénéisation de la présentation visuelle que j’expérimentais dans les ateliers affectait mon ressenti vis-à-vis du paysage. Je voulais briser ce cycle et m’assurer que le gars qui cherchait l’inspiration personnelle reste dans la mêlée. Je voulais travailler ‘In a Different Light’.

La lumière est générée par le soleil ou la lune. Mais la nature pour moi a toujours été plus que des paramètres. C’est un sentiment, et l’homogénéisation de la présentation visuelle que j’expérimentais dans les ateliers affectait mon ressenti vis-à-vis du paysage. Je voulais briser ce cycle et m’assurer que le gars qui cherchait l’inspiration personnelle reste dans la mêlée.

Pour la plupart des gens, l’idée d’être tout seul dans les montagnes la nuit n’est pas si attrayante. J’ai pris des âmes charitables pour m’aider à porter l’équipement et aussi pour apaiser l’énergie nerveuse d’être là-bas tout seul pendant la première partie de ce processus. Au fil du temps, cependant, j’ai réalisé que je devais être seul. Les promenades sont devenues plus laborieuses, portant l’équipement et le léger avantage d’être là seul plus intense. Plus important encore, cependant, j’ai pu trouver la paix et la concentration pour créer.

Chaque fois que j’ai visité Glendalough, je me suis toujours assuré que Moderat hurlait à plein régime pendant la descente. La bande-son et le son unique de Moderat ont vraiment inspiré le visuel. Finalement, j’ai fini par aimer être là seul. C’est vraiment inspirant d’être entouré par la nature et pas un autre humain en vue. Le processus de fabrication des images demandait beaucoup de travail. J’ai utilisé deux caméras et une lampe vidéo. Pour commencer, je prenais toujours une photo grand angle de la scène que je regardais et j’éteignais cette caméra pour enregistrer un timelapse. J’étais intéressé de voir comment l’atmosphère était affectée dans la prise de vue à angle plus large alors que je repositionnais la lumière pour filmer des scènes plus serrées avec la deuxième caméra. Le mouvement de la lumière était un moyen de rendre l’imagerie plus dynamique et plus mondaine tout en créant un mouvement dans la pièce en accéléré pour refléter la bande sonore. Cela m’a permis de façonner le paysage d’une manière que je ne pouvais pas réaliser le jour avec un éclairage naturel. Le paysage est devenu un espace qui n’avait pas autant de paramètres.

Je créais ma propre lumière, mais la météo jouait toujours un grand rôle. Je voulais du calme, de la brume et aussi un ciel clair. En règle générale, un tournage implique que je garde un œil sur les conditions possibles avant de décider d’y aller. J’arrivais souvent au milieu de la nuit et je photographiais jusqu’à l’aube. L’activité dans le parc et sur les routes ne faisait que démarrer lorsque je rentrais chez moi. Il y a quelque chose de satisfaisant de savoir que vous êtes au lit quand tout le monde se prépare pour le travail. Les lumières du tournage se répercutaient dans mon cerveau alors que je tombais.

Depuis que j’ai commencé à tourner ‘In Different Light’, j’ai réalisé deux projets personnels distincts.

Le parcours personnel de trouver ma propre voix et vision a été résumé par plus d’une pensée, idée ou expérience. Le catalyseur peut cependant être trouvé dans ces images. In a Different Light’ vit dans un espace où il n’existe aucun repère définitif. Dans le noir, seul, en pleine nuit, essayant de transformer l’obscurité en lumière.

Le parcours personnel de trouver ma propre voix et vision a été résumé par plus d’une pensée, idée ou expérience. Le catalyseur peut cependant être trouvé dans ces images. In a Different Light’ vit dans un espace où il n’existe aucun repère définitif. Dans le noir, seul, en pleine nuit, essayant de transformer l’obscurité en lumière. Essayer de me resensibiliser, à mon imagerie, au paysage. Pour modifier la formule. Finalement, se sentir complètement à l’aise avec la solitude, avec l’obscurité, et simplement allumer la lumière.

Détails de l’exposition

Le projet et l’exposition s’intitulent ‘In a Different Light’ : www.petergordonphotography.com

Lieu : The MART Gallery, 190a Rathmines Rd Lower, Rathmines, Dublin 6,

Heures d’ouverture de l’exposition

• 17 au 27 mai
• Vernissage le 17 mai – 18h – 21h
• Ouvert de 12h à 18h
• dimanche 12h – 16h
• Fermé le lundi 22

Je ne fais pas beaucoup de photographie d’oiseaux, mais chaque année, je loue un Canon 600 mm f/4L pour repérer des moineaux au sommet de tulipes dans la vallée de la Skagit. J’ai trouvé que le matin est le meilleur moment pour le faire. Cette année, un seul champ de tulipes ouvert était disponible fin avril.

Je suis arrivé sur le terrain à 5 heures du matin et j’ai parcouru le long bord avec le soleil en arrière-plan. Finalement, les oiseaux sont apparus, chantant à intervalles aléatoires. J’ai adapté le Canon 600 mm f/4L sur mes GFX100 et je l’ai réglé pour une rafale de 5 photos. Je fais ce genre de prise de vue à main levée, accroupi avec l’objectif dans ma main gauche posé sur mon genou. L’OIS aide certainement.

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Les photographes inexpérimentés ont tendance à penser que l’appareil photo compte beaucoup plus que l’objectif – cependant, comme le savent les photographes chevronnés, l’objectif est un extrêmement partie importante de la photographie. Après tout, un objectif influence la netteté de l’image, la vitesse de mise au point automatique, le champ de vision, le flou d’arrière-plan, la flexibilité de la prise de vue en basse lumière et bien plus encore.

Mais une fois que vous possédez un bon objectif, comment pouvez-vous en tirer le meilleur parti ? Comment pouvez-vous apprendre ses caractéristiques, ses distances focales et sa façon unique de rendre le monde afin de pouvoir l’utiliser pour créer de superbes photos ?

j’ai manipulé un parcelle de verre au fil des ans, et par conséquent, je sais comment apprendre à connaître un nouvel objectif (ou améliorer votre compréhension des objectifs que vous possédez déjà). Dans cet article, je partage mes meilleurs conseils pour vous frayer un chemin à travers ce processus, y compris quelques tests et exercices pratiques ainsi que des conseils plus généraux pour aborder le nouveau verre.

Êtes-vous prêt à maîtriser vos objectifs ? Alors plongeons dedans !

1. Utilisez une lentille exclusivement pendant un mois

Dans le livre Valeurs aberrantes, L’auteur Malcolm Gladwell a avancé l’idée désormais célèbre selon laquelle la véritable maîtrise d’une compétence nécessite 10 000 heures de pratique. Je dirais que l’idée de mettre 10 000 heures s’applique à la photographie dans son ensemble plutôt qu’à la photographie avec un seul objectif, mais en utilisant le même objectif pendant une période prolongée, vous apprendrez certainement à vraiment connaître cet objectif, vraiment bien.

Si vous possédez plusieurs objectifs et que vous devez les utiliser régulièrement (par exemple, pour les prochaines sessions payantes), vous n’avez pas besoin d’être très vigilant à ce sujet. Essayez simplement de retirer un seul objectif sur un tournage, et si vous pouvez maintenir la séquence pendant quelques jours de suite, c’est fantastique.

Si vous aimez la sensation de n’utiliser qu’un seul objectif, essayez d’aller plus loin en prolongeant l’exercice pendant une semaine, un mois ou même plus. C’est à vous de décider, mais plus vous passerez de temps avec cet objectif, mieux vous pourrez visualiser son champ de vision avant de porter l’appareil photo à vos yeux. Vous pourrez créer des compositions avant de regarder dans le viseur, et votre taux de gardien augmentera considérablement.

Cet exercice est mieux fait avec un objectif à focale fixe, mais il fonctionne aussi pour les zooms. Si vous travaillez avec un zoom, vous voudrez peut-être commencer par choisir une seule distance focale et vous y tenir. Bien sûr, vous devrez éventuellement tester d’autres focales si vous voulez vraiment connaître les capacités d’un objectif, mais commencer à un endroit peut être une bonne idée.

Une recommandation : avant de partir avec votre objectif, passez un peu de temps à feuilleter le manuel. Assurez-vous de bien connaître toutes ses fonctionnalités, y compris les interrupteurs ou les anneaux sur les barils. Assurez-vous ensuite de vous entraîner à utiliser ces différents éléments lors de vos prises de vue !

2. Testez votre objectif à chaque ouverture

Une partie de la maîtrise d’un objectif consiste à connaître ses performances. Et le fait est que les performances de chaque objectif varient selon sa plage d’ouverture, je vous recommande donc fortement de passer du temps avec le verre que vous cherchez à maîtriser et de l’évaluer vraiment à toutes les ouvertures.

Imprimez un tableau de test ou créez le vôtre, puis montez votre appareil photo sur un trépied et prenez une série de photos au fur et à mesure que vous passez de l’ouverture la plus large de l’objectif à son ouverture la plus étroite. Tous les objectifs sont plus doux à leurs réglages d’ouverture les plus larges et les plus étroits, alors ne soyez pas surpris si c’est le résultat que vous obtenez – mais les détails comptent aussi. Quelle est la netteté de votre objectif à sa plus grande ouverture ? Que pensez-vous du niveau de détail ? Qu’en est-il à son ouverture la plus étroite ? Quelles sont vos pensées?

Ici, il peut être utile de prendre des notes pour chaque ouverture (après tout, c’est beaucoup à retenir !). Et une fois que vous avez terminé vos tests, passez un peu de temps à réfléchir à ce que les résultats signifient pour vous sur le plan photographique.

Par exemple, si vous utilisez souvent de petites ouvertures lorsque vous prenez des photos, vous devrez déterminer quand le flou dû à la diffraction commence à devenir un problème sérieux. Et si vous préférez utiliser des ouvertures plus larges, déterminez si la prise de vue à grande ouverture vous rapportera des images raisonnablement nettes ou si vous devrez vous arrêter légèrement.

Si vous aimez ce look à faible profondeur de champ mais que votre objectif se débat à grande ouverture, rappelez-vous que la clé est de trouver un équilibre entre bokeh et qualité d’image. Par exemple, je trouve que lorsque je fais des portraits avec un téléobjectif court, j’obtiens les meilleurs résultats à f/2.8. L’ouverture f/2.8 garantit que la majeure partie du visage de mon modèle est mise au point, mais le bokeh a toujours une belle qualité :

Bien sûr, vous préférerez peut-être une ouverture différente, et ce n’est pas grave ! Le but est de passer du temps à tester et à réfléchir aux résultats.

Remarque : Si vous travaillez avec un objectif zoom au lieu d’un objectif principal, lisez attentivement la section suivante :

3. Testez un zoom à différentes focales

Les objectifs à focale fixe sont relativement faciles à tester : vous imprimez un tableau de test, vous configurez votre appareil photo et vous prenez des images dans toute la plage d’ouverture.

La situation devient cependant un peu plus compliquée avec les zooms. C’est parce que vous avez une variable supplémentaire : la distance focale. Non seulement la netteté varie en fonction de l’ouverture, mais la distance focale a également un effet. Très peu de zooms offrent une qualité optique exceptionnelle sur toute leur plage de focales. Par conséquent, si vous voulez vraiment comprendre votre objectif, vous devrez le tester à différentes focales.

Personnellement, j’aime penser aux zooms comme à plusieurs objectifs principaux dans un seul boîtier. Par exemple, lorsque je possédais un zoom 17-40 mm, j’avais tendance à le régler sur 24 ou 35 mm pour la plupart de mes prises de vue. À d’autres moments, j’utiliserais 17 mm – si je voulais un vrai effet ultra grand-angle – ou 40 mm. Donc pour moi, c’était quatre objectifs en un – un objectif de 17 mm, 24 mm, 35 mm et 40 mm.

Ces photos montrent la différence entre les focales 17 mm et 40 mm :

Mais rappelez-vous : il est essentiel de diviser votre objectif en quelques focales spécifiques. Faites les tests correspondants et, au fur et à mesure que vous vous familiariserez, vous pourrez élargir votre sens de chaque sujet.

4. Zoomez avec vos pieds

Que votre objectif préféré soit un objectif à focale fixe ou un zoom, il est utile de s’entraîner à zoomer avec vos pieds plutôt qu’à utiliser la bague de zoom (de plus, si vous avez un objectif à focale fixe, vous n’avez pas le choix !). Zoomer avec les pieds est une expression utilisée pour décrire le processus consistant à se rapprocher ou à s’éloigner physiquement de votre sujet pour modifier sa taille dans le cadre plutôt que d’utiliser la bague de zoom d’un objectif zoom.

Pour les propriétaires d’objectifs zoom, cela revient à l’idée antérieure d’un objectif zoom contenant essentiellement trois ou quatre objectifs principaux en un. Si vous avez un objectif en kit 18-55 mm, par exemple, votre objectif se comporte très différemment à différentes distances focales. À 18 mm, c’est un objectif grand angle idéal pour les sujets comme les paysages. À 55 mm, c’est un téléobjectif court que vous pouvez utiliser pour les portraits.

En termes de perspective, les deux focales sont très différentes. Vous n’apprendrez que la perspective et la façon dont elle change à mesure que vous vous rapprochez ou vous éloignez de votre sujet si vous vous en tenez à utiliser votre objectif zoom à une seule distance focale. Si vous utilisez la bague de zoom pour modifier la taille du sujet, vous n’apprendrez pas la perspective.

Par exemple, avec un objectif 18-55 mm réglé sur 18 mm, vous devez vous approcher assez près du sujet pour obtenir la perspective spectaculaire associée aux objectifs grand angle :

Mais si vous êtes plus éloigné du sujet, la perspective est beaucoup moins dramatique :

5. Photographiez différents sujets

Nous avons tendance à penser que les lentilles sont associées à des sujets spécifiques. Par exemple, les objectifs grand angle sont parfaits pour les paysages et les téléobjectifs courts sont parfaits pour les portraits.

Et si vous mélangez un peu ? Que se passe-t-il si vous utilisez un téléobjectif court pour la photographie de paysage ou un objectif grand angle pour le portrait ? L’idée est de sortir de votre zone de confort et de trouver des façons créatives d’utiliser vos verres préférés, ce qui élargira votre compréhension du verre.

Si vous utilisez un objectif grand angle pour le portrait, vous constaterez rapidement que si vous vous rapprochez trop de votre modèle, vous vous retrouverez avec des effets très peu flatteurs. Mais que se passe-t-il si vous prenez du recul et incluez davantage votre environnement ? Soudain, vous adoptez une approche très différente ! Des expériences comme celles-ci peuvent ajouter de nouvelles compétences, de nouvelles compréhensions et de nouvelles façons de travailler à votre répertoire.

6. Poussez vos compositions à la limite

Mon dernier conseil pour maîtriser un objectif ? Poussez-vous vraiment. Poussez chaque technique à l’extrême et voyez ce que vous pouvez en faire. Ce n’est qu’en poussant vraiment votre équipement que vous pourrez vraiment le comprendre !

Si vous avez un objectif grand angle, que se passe-t-il si vous vous rapprochez le plus possible de votre sujet ? Que se passe-t-il si vous utilisez le réglage d’ouverture le plus large de l’objectif ?

Et si vous avez un téléobjectif, comment pouvez-vous maximiser la perspective compressée qu’offre la distance focale plus longue ? Quels sujets pouvez-vous photographier pour tirer le meilleur parti de l’effet superposé ?

C’est le processus d’expérimentation. Toutes vos expériences ne fonctionneront pas, mais quand elles le feront, vous ajouterez de nouvelles compétences à votre répertoire !

Conseils pour maîtriser vos verres : derniers mots

J’espère que ces conseils vous ont donné quelques idées pour travailler et apprendre à connaître vos objectifs préférés. Au lieu de fantasmer sur le prochain objectif que vous allez acheter, prenez le temps d’apprendre à connaître le verre que vous possédez déjà !

Vous constaterez peut-être que pousser les objectifs que vous possédez déjà à leurs limites peut être extrêmement gratifiant.

Maintenant à vous :

Comment comptez-vous maîtriser vos objectifs ? Avez-vous des conseils supplémentaires que nous avons manqués? Partagez votre opinion dans les commentaires ci-dessous!

Pour obtenir des images de la nature d’excellente qualité et d’une grande netteté, je pose deux scénarios : Faune: L’animal est-il immobile ou en mouvement ? Quelle est la taille du sujet dans le cadre ? Quelle distance focale est fixée à l’appareil photo ? Un trépied ou un pouf est-il utilisé ? Combien y a-t-il de lumière ? Paysages: Y a-t-il un vent fort ? Vous avez besoin d’une grande profondeur de champ ? Pour un paysage marin, les vagues sont-elles hautes et féroces ? Une photo macro fait-elle partie du plan ? Quelle heure est-il? Quelle est la plage de contraste ?

En réfléchissant aux questions ci-dessus, avez-vous pensé aux variables qui pourraient avoir un impact sur chaque réponse ? Si vous l’avez fait, je vous applaudis! Lisez le reste de cette astuce pour tester votre acuité photographique. Si vous n’êtes pas en mesure de trouver des réponses, je vous implore d’étudier attentivement le conseil de cette semaine afin de pouvoir capturer de manière plus cohérente des photos d’une netteté critique. Lisez-le, relisez-le, puis appliquez les informations.

La technique est un facteur clé qui régit la netteté d’une photo. Peu importe les conditions ou le matériel, si vous appliquez la bonne technique pour obtenir une netteté absolue, en travaillant avec les limites de votre matériel, vous reviendrez avec les photos les plus nettes possibles. Cela étant dit et tous les aspects de la technique étant égaux, un meilleur équipement surpassera un équipement inférieur. Mais des objectifs plus nets, des boîtiers à capacité ISO plus élevée, plus d’images par seconde et des ouvertures minimales plus rapides ne valent rien si votre technique est médiocre. Un équipement haut de gamme assurera constamment des bords souples si vous êtes bâclé.

Mécanique vs Créatif

Les aspects mécaniques de la photographie sont nettement plus enseignables que les aspects créatifs. C’est la bonne nouvelle puisque le conseil de cette semaine se concentre sur les bonnes mécaniques. La créativité peut être enseignée en ce qui concerne les règles de composition, la lumière, le placement des sujets, etc., mais cela ne change rien au fait que certaines personnes ont davantage le cerveau droit que le cerveau gauche. Le cerveau droit est associé à la créativité tandis que les cerveaux gauches sont plus analytiques. Les concepts suivants sont plus liés aux caractéristiques du cerveau gauche de la photographie. Mais un photographe avec le plus grand potentiel créatif du cerveau droit n’ira nulle part s’il ne peut pas acquérir des photos d’une netteté parfaite.

Relisez le paragraphe du haut et réfléchissez plus profondément aux questions que j’ai posées. Chacun impose certains paramètres pour l’appareil photo et/ou l’objectif. Beaucoup ont des réponses de bon sens, mais le cerveau gauche doit savoir où se trouvent les commandes sur la caméra, comment les modifier, quand effectuer des changements et dans quelle mesure le changement doit être. Par souci de cohérence, supposons que dans chaque hypothèse qui suit, tous les équipements haut de gamme sont utilisés, tous les objectifs et filtres sont d’une propreté impeccable et l’enthousiasme de chaque photographe est élevé et égal.

La première question que j’ai posée dans le scénario de la faune ci-dessus était l’animal immobile ou en mouvement ? La logique veut que si un objet est immobile plutôt qu’en mouvement, il devrait être plus facile d’acquérir une photo nette. La mise en garde est qu’il existe des variables techniques avec lesquelles le photographe doit être familier. Ce n’est pas parce qu’un animal est immobile qu’il n’y a aucune garantie que l’image sera nette.

D’autres aspects importants sont quel point de mise au point est actif et où dans le viseur il se trouve, et où sur l’animal se trouve le point de mise au point principal positionné. Si le carré de mise au point est sur le corps mais que les yeux du sujet sont à 12 pouces plus près de l’appareil photo, en fonction de la distance focale, de l’ouverture et de la proximité du sujet, il y a un risque élevé que le corps soit net mais pas les yeux. Concentrons-nous sur le mouvement du sujet. Il est essentiel que vous fassiez des recherches sur votre sujet pour savoir quelles vitesses d’obturation sont nécessaires pour arrêter l’action d’un animal donné. Plus de variables ont un impact sur le résultat final en fonction de l’ouverture et de la distance focale de l’objectif. Assurez-vous toujours que le point focal ACTIF se trouve sur le point le plus critique déterminé par l’emplacement de la partie la plus importante de l’animal.

Les deux questions suivantes portaient sur la taille du sujet dans le cadre et sur la distance focale fixée à l’appareil photo ? J’ai regroupé ces deux car ils vont de pair. Dans la plupart des cas, la distance focale permet de déterminer la taille du sujet. Plus l’animal apparaît grand dans le cadre, plus la profondeur de champ est nécessaire pour s’assurer que tout est net. Mais une énorme variable est la position de l’animal pour vous. S’il est perpendiculaire ou face à vous, il s’agit de deux scénarios différents, chacun avec ses propres besoins. Une ouverture beaucoup plus large peut être utilisée lorsqu’elle est perpendiculaire par rapport à face à face.

Les deux dernières questions étaient un trépied ou un pouf utilisé et combien de lumière y a-t-il ? Si un trépied ou un pouf est utilisé et que l’animal est immobile, des vitesses d’obturation plus lentes peuvent être utilisées pour empêcher le mouvement de l’appareil photo ou le bougé du photographe. Vous pouvez activer le mode de stabilisation sur l’objectif ou le boîtier de l’appareil photo, mais si le sujet tourne ou tremble soudainement, même si tout est stabilisé, il y a de fortes chances que le sujet soit mou. Une lumière plus vive apparaît les jours clairs par rapport aux jours nuageux, de sorte que des vitesses d’obturation plus rapides peuvent être sélectionnées. Une mise en garde supplémentaire concerne le réglage ISO de l’appareil photo et la manière dont il agit comme une variable en ce qui concerne les vitesses d’obturation données.

Paysages

Le vent souffle-t-il fort ? Vous avez besoin d’une grande profondeur de champ ? Pour un paysage marin, les vagues sont-elles hautes et féroces ? Une photo macro fait-elle partie du plan ? Quelle heure est-il? Quelle est la plage de contraste ? Une grande partie des informations que j’ai partagées dans la section sur la faune peuvent être appliquées aux paysages. De nombreuses corrélations se chevauchent et partagent le bon sens. Par exemple, le vent souffle-t-il fort ? Conceptuellement, si un animal est actif, une vitesse d’obturation plus rapide est nécessaire pour figer ce mouvement. S’il s’agit d’un lever de soleil venteux dans les montagnes, même si les fleurs sauvages sont à leur apogée, vous ne pourrez peut-être pas capturer un paysage vierge. Si l’objectif est une image nette du premier plan à l’arrière-plan et que vous devez figer le mouvement des fleurs, quelle est la vitesse d’obturation requise ? Au fur et à mesure que vous travaillez pour le détecter, vous découvrez l’ISO devoir être élevé. Si vous avez supposé que l’ISO devait être augmenté, félicitations ! Vous avez pris le contrôle de cette situation pour déterminer le résultat final !

La profondeur de champ dépend de deux facteurs clés : l’ouverture à laquelle l’image est créée et la distance focale de l’objectif. Si vous avez besoin d’une profondeur totale, utilisez un objectif aussi large que possible pour créer la composition. Arrêtez l’objectif à une petite ouverture pour obtenir une profondeur de champ maximale. Une autre variable est à quelle distance le photographe place le point focal. Familiarisez-vous avec une charte hyperfocale qui explique ce concept en détail. Afin de prendre le contrôle du résultat final, expérimentez avec la distance focale, l’ouverture choisie, l’endroit où le point focal est placé et à quelle distance l’objectif est réglé pour maximiser la distance hyperfocale.

Pour un paysage marin, les vagues sont-elles hautes et féroces ? Si vous arrivez à marée haute et que les vagues roulent et sont très actives, si le résultat final est de geler toutes les gouttes, utilisez un ISO plus élevé et ouvrez l’ouverture pour obtenir un obturateur rapide. Les mises en garde surviennent si vous avez besoin d’une grande profondeur de champ nécessitant une petite ouverture et si le niveau de lumière est faible. En fonction de ces variables, un obturateur assez rapide peut ne pas être réalisable. Ces concepts sont essentiels à apprendre si vous voulez prendre le contrôle du résultat final.

Dans l’ensemble, les facteurs qui influent sur la netteté sont l’utilisation correcte d’un trépied stable, l’ouverture de travail, la vitesse d’obturation donnée en combinaison avec l’ouverture donnée, la distance focale et la façon dont elle est utilisée, l’ISO à laquelle l’image est photographiée et la quantité et qualité de la lumière. Adoptez la bonne technique pour chaque prochain clic d’obturateur et votre nombre de gardiens pointus augmentera de façon exponentielle.

N’hésitez pas à explorer plus de mes photographies sur mon site Web : www.russburdenphotography.com ou visitez ma page SmugMug : https://russburden.smugmug.com.

Publié initialement le 20 avril 2023

Adobe Lightroom Classic a dévoilé le nouveau Denoise propulsé par l’IA. Topaz Labs a publié Denoise AI il y a quelque temps. Rejoignez-moi pour ce smackdown épique.

Comparaison de Topaz Labs Denoise AI et Lightroom Classic Denoise

J’ai débruité plusieurs fois une photo de la Voie lactée à haute sensibilité ISO, en utilisant Lightroom comme plate-forme. Tout d’abord, j’ai réduit le bruit deux fois en utilisant Topaz Labs Denoise AI v3.7.2, mon logiciel de débruitage de prédilection. Ensuite, j’ai comparé ces deux tentatives à une instance du nouveau débruitage alimenté par l’IA dans Lightroom Classic CC, qui vient de sortir dans la v12.3.

Avec Topaz Labs et Lightroom, j’éditais les fichiers RAW. Topaz Labs enregistre la photo modifiée sous forme de fichier TIFF. Lightroom Classic enregistre la photo modifiée sous forme de fichier DNG.

Topaz Labs Denoise AI Low Light (réglage modéré) vs. Lightroom Classic Denoise

Au-dessus de: Topaz Labs Denoise AI propose quatre fenêtres avec quatre modèles de débruitage différents. De plus, chacun d’eux est réglable par plusieurs paramètres.

Comparaison: (À gauche) Topaz Labs Denoise AI à un réglage modéré de 34 en utilisant Low Light Model contre (à droite) Lightroom Classic Denoise (alimenté par l’IA) à un réglage modéré de 30.

Observations en première comparaison

J’ai zoomé à 300%. C’était pour regarder des pixels inconditionnels puisque personne ne regarde les photos à 300% de zoom. J’ai remarqué que la version de Lightroom Classic est un peu plus lumineuse. J’ai également remarqué que le bruit dans les zones sombres ainsi que le ciel est moindre à des réglages modérés. Cela comprenait le bruit de couleur répandu dans le ciel.

Cependant, Topaz Labs avait conservé plus de détails dans les étoiles et les feuilles des arbres.

Pour un article précédent, j’avais déterminé que j’aimais Denoise de Lightroom à environ 30 ans. Après cela, il a commencé à avoir l’air «faux» et «plastique».

Curieux de savoir à quoi ressemblerait Topaz avec une réduction de bruit beaucoup plus élevée, je l’ai réglé sur 93 – presque le maximum qu’il va.

Topaz Labs Denoise AI Low Light (réglage élevé) par rapport à Lightroom Classic Denoise

Comparaison: (À gauche) Topaz Labs Denoise AI à un réglage élevé de 93 en utilisant le modèle de faible luminosité par rapport à (à droite) Lightroom Classic Denoise (alimenté par l’IA) à un réglage modéré de 30.

Observations en deuxième comparaison

Encore une fois, en zoomant à 300 %, j’ai jeté un coup d’œil pixelisé. Comme auparavant, la version Lightroom était un peu plus lumineuse. Cependant, comme j’utilisais une réduction de bruit beaucoup plus élevée avec Topaz Labs, j’ai remarqué que les capacités de débruitage étaient plus proches. Cependant, Lightroom Classic avait encore une fois moins de bruit. Cela comprenait le bruit de couleur dans le ciel.

Cependant, pas si vite. J’ai également remarqué que Topaz réussissait toujours à conserver davantage de détails dans les feuilles et les arbres.

Topaz Labs (réglage modéré) vs Topaz Labs (réglage élevé)

Juste par curiosité, j’ai également mis en place cette comparaison. Ce sont les deux efforts de débruitage de Topaz Labs décrits ci-dessus, mais en comparaison directe l’un avec l’autre au lieu de Lightroom.

Comparaison: (À gauche) Topaz Labs Denoise AI à un réglage modéré de 34 en utilisant le modèle de faible luminosité contre (à droite) Topaz Labs Denoise AI à un réglage élevé de 93 en utilisant le modèle de faible luminosité.

Comparaison de photos sans logiciel de comparaison d’images

Juste au cas où vous préféreriez cette façon ou si cela fonctionne mieux sur votre appareil, j’ai placé les trois captures d’écran avec le débruitage appliqué afin que vous puissiez également regarder de cette façon. Vous pouvez également cliquer sur ces photos pour les agrandir, ce qui pourrait vous faciliter la recherche sur notre bureau ou appareil.

Et le gagnant est …

Dans notre bataille titanesque pour la suprématie du débruitage, qui l’emporte ?

Topaze Labs Denoise AI v3.7.2

• Offre plus de modèles et de choix pour le débruitage
• Fonctionne légèrement plus rapidement (pas vraiment une si grande différence)
• Vous donne un meilleur contrôle des détails et les retient mieux
• Peut être utilisé comme logiciel autonome
• Effectue un traitement par lots lorsqu’il est utilisé de manière autonome

Denoise v12.3 alimenté par l’IA de Lightroom Classic CC

• Beaucoup plus simple à utiliser… un seul curseur !
• Réduction du bruit et du bruit de couleur sans gâcher les détails
• Intégré à Lightroom Classic (un bonus uniquement si vous utilisez déjà Lightroom, bien sûr)

Si vous avez absolument besoin de détails, Topaz Labs semble être le gagnant. Ou est-ce?

Ici, je dois souligner que Lightroom possède des fonctionnalités fantastiques dans le panneau de base qui traitent des détails. Cela inclut Texture, Clarté, Dehaze et ailleurs, Sharpening. En d’autres termes, Lightroom est plus que capable d’accentuer ou de créer un micro-contraste si nécessaire après le débruitage.

Alors qui est le gagnant ici ?

Nous sommes. Nous gagnons tous. C’est beau d’avoir des outils qui, il y a encore peu de temps, auraient été impensables.

Ce n’est qu’un exemple. Je suppose qu’au fil du temps, nous découvrirons que l’un est meilleur pour certaines images ou situations, et l’autre est meilleur pour d’autres. Et entre tout cela, les deux continueront à publier de nouvelles versions qui s’améliorent de plus en plus.